A lo largo de este artículo iremos conociendo y profundizando los distintos métodos usados en la intervención musicoterapéutica así como los instrumentos musicales que más se utilizan en la terapia.También abordaremos sobre la neurobiología musical y los experimentos realizados con músicos.

Comenzamos recordando al lector que la musicoterapia “es un proceso sistemático de intervención en donde el terapeuta ayuda al cliente a conseguir llegar a la salud, utilizando experiencias musicales y las relaciones que evolucionan por medio de ellas como fuerzas dinámicas de cambio´´ (Kenneth Bruscia). Por tanto, este es un tipo de intervención que utiliza la música.como herramienta terapéutica y su base musical puede ser de dos tipos: por un lado el método “activo´´que se basa en tocar instrumentos musicales.que se eligen en base a las necesidades y metas del paciente. Y por el otro la escucha “receptiva´´ dentro de la cual podríamos destacar dos. La musicoterapia de relajación muy utilizada en casos de ansiedad, depresión y desordenes cognitivos y la “medicina musical´´en la que el personal médico proporciona una grabación musical.

Antes de continuar profundizando en los distintos métodos musicales.cabría destacar la diferencia entre el efecto terapéutico de la música y la musicoterapia, puesto que en el anterior párrafo hemos descrito la base musical que utilizamos en terapia. Esta base musical por si sola tendría efecto terapéutico generando un mejor ambiente, un clima cómodo, entreteniendo, acompañando o relajando.Mientras que en musicoterapia utilizamos dichabase musical entendiéndola como el fundamento o apoyo principal de la intervención. Es decir una herramienta que nos sirve para trabajar con el paciente en este proceso donde le acompañamos y le ayudamos a mejorar su calidad de vida a través.de la música y experiencias musicales que serán personalizadas, controlando las emociones que van evocando y como un medio de expresión.

Uno de los métodos utilizados en musicoterapia es el Método Bonny de.Imaginería Guiada y Musical desarrollada por Helen Lindquist Bonny. Se trata de realizar una imaginería guiada acompañada de música donde el paciente se tiene que centrar en la imagen que usamos como punto de partida para pensar y discutir sobre problemas relacionados u otros aspectos que vaya evocando. Aquí la música juega un rol denominado co-terapeuta y será seleccionada atendiendo las necesidades y metas de cada paciente para la sesión.

El método Dalcroze Eurythmics se usa para enseñar música pero también.puede ser usada en la terapia centrándose en el ritmo, estructura y la expresión del movimiento. Este método sobretodo puede ser beneficioso con los pacientes que presentan dificultades motoras.

ZoltànKodàly desarrolló la Filosofía Kodàly de la musicoterapia.que se basa en el uso del ritmo, entonación, secuencia y movimiento para mejorar la entonación, ritmo y alfabetización musical (aprender el alfabeto musical y leer a primera vista un pentagrama). Esta filosofía llevada al ámbito terapéutico presenta un impacto positivo en funciones perceptivas, formación de conceptos, habilidades motoras y en el desempeño del aprendizaje.

Encontramos a continuación un método desarrollado específicamente para trabajar con niños denominado método Orff-Schulwerk creado por Gertrude Orff. Considerando que la medicina no es tratamiento suficiente para los retrasos y discapacidades del desarrollo. Esta técnica destaca la importancia de la psicología humanista y la utilización de la música como un camino de desarrollo.de interacción interpersonal y mejora de las habilidades de aprendizaje.

Para la terapia con niños la musicoterapeuta Rachel Rambach nos recomienda unos instrumentos en específico:

Campanitas: son 8 campanas de mano donde cada una tiene un color diferente, letra y tono distinto.

Mini guitarra

Rana güiro: es un güiro de madera (instrumento de percusión) en forma de.rana que hace un sonido similar al croar del anfibio y ayuda a que el niño mejore su motricidad fina.

Frutas musicales: son pequeñas frutas de plástico que al agitarlas hacen distintos sonidos.

Cabasa: es un instrumento musical rítmico de madera agitada que usaremos para trabajar las habilidades motoras finas y gruesas.

Ukelele: muy utilizado en musicoterapia ya que se puede utilizar como una alternativa de guitarra.

Mientras que en los adultos la compañía promotora de experiencias creativas y.artísticas Muzique enfatiza tres tipos de instrumentos como los más efectivos:

Djembe es un tipo de tambor de mano pequeño que facilita la expresión y.el contacto sin miedo a tocar notas erróneas. Permite la conexión entre el terapeuta y el paciente ya que al ser un instrumento de mano facilita una proximidad cercana.

La guitarra también tiene el beneficio de la cercanía puesto que el terapeuta puede mantener la melodía o el control armónico mientras que el paciente toca creando un ambiente relajado y calmado.

Por último, el piano está recomendado para grupo grandes ya que su sonido no es ahogado fácilmente y permite que el paciente se pueda sentar cerca.

A continuación, hablaremos del método de musicoterapia basado en la.neurociencia denominado La Terapia Musical Neurológica (NMT).Dicho método aporta que la música influye en las funciones del cerebro y el comportamiento y sabiendo esto, utiliza la variación dentro del cerebro con y sin música para evocar cambios cerebrales que afectan al paciente. Específicamente este tipo.de terapia provoca cambios en el cerebro usando la música y se emplea para entrenar las respuestas motoras desarrollando dichas habilidades por medio de ejercicios musicales de distintos grados de dificultad como es por ejemplo marcar el ritmo con el pie.

Como hemos mencionado esta terapia se basa en la neurociencia y más concretamente en el campo denominado neurobiología musical dentro del cual hay multitud de experimentos producidos con músicos orquestantes como son losrealizados por Indre Viskontasneurocientífica y directora creativa de una compañía de ópera en Pasadena,interesada en el estudiode la interacciónentre músicos afirmando que tienen algo especial entre ellos que les falta cuando actúan como solistas.

Cuando estás sincronizado con alguien estás activando partes del cerebro que están inactivas de estar solo, además cuando estamos solos tenemos un crítico interno que controla todo lo que hacemos mientras que cuando tenemos que responder a alguien olvidamos a dicho crítico interno, centrándonos más en el exterior.

Un caso especial de cambios producidos en el cerebro gracias a la música es el de los cantantes. Sabiendo que el hemisferio izquierdo es el responsable de la comprensión del lenguaje puesto que es donde se encuentra el área de.Wernicke, conectadomediante el fascículo arqueado al área de Broca encargado de la producción del lenguaje. Sabemos que cuando intentamos expresarnos, primero la parte izquierda debe comprender,luego se envía esa información al área de producción sobre qué hacer y qué decir y manda la información a las regiones motoras permitiendo que hablemos.

Para la mayoría de las personas el fascículo arqueado derecho es.más delgado lo cual no ocurre con los cantantes. Estos a medida que desarrollan su capacidad vocal, el fascículo arqueado se vuelve mas grueso y con más conexiones. Lo que produce mejores condiciones para escuchar algo y producirlo puesto que tiene conexión directa con la forma en que pueden usar su musculatura.

Cuando actúas con otras personas aprovechas esas conexiones ya que existe una interacción entre el control consciente y las respuestas mas automáticas.

Esta interacción consciente-automático se ve en la respiración. La respiración es un proceso orgánico que se abre y se cierra y cuando una cantante actúa junto a una orquesta de cuerda las respiraciones entre los instrumentos y la.cantante se sintonizan de forma automática, permitiendo a la cantante relajarse y olvidar a su crítico interno conectando con los músicos ya que todos respiran juntos convirtiendo ese aliento en música.


Viskontas está desarrollando en el Conservatorio de Música de San Francisco los experimentos.Proyecto Conjunto para aprender como tocar juntos y producir que la música sea mas sugerente y conmovedora.


En sus experimentos crea grupos con distintas condiciones experimentales: evitar miradas directas, tocar sin gestos y solo por marcas de tempo y no verse entre ellos.

Cuando los músicos se ven pero evitan miradas directas están menos conectados y portanto menos coordinados. Cuando tocan con restricciones técnicas también hay un deterioro en la ejecución musical. Mientras que cuando no pueden verse en absoluto confían en las señales auditivas y están menos distraídos haciendo que la música se sienta mas íntima.

Por otro lado, nos encontramos los experimentos de Charles Limb neurocientífico y.cirujano estudió a los artistas de jazz profesional haciéndoles un escáner de resonancia magnética funcional mientras tocaban. Cuando estaban improvisando su corteza prefrontal medial responsable de conferir sentido y motivación interna estaba encendida. Mientras que la corteza orbitofrontal lateral y la corteza prefrontal dorsolateral, que monitorean, evalúan y corrigen comportamiento hacia un fin, estaban desactivados.

Cuando los músicos de jazz proyectaron emoción en su música agitaron sus conexiones.límbicas y paralímbicas, como la amígdala y la ínsula. Por tanto Limb concluye que actuar con emoción suscita conexiones neuronales que permiten crear estados de placer y libertad lo cual es clave para la creatividad.

Viskontas establece que la música libera químicos de enlace social.basándose en que tocar y escuchar libera neurohormonas que suscitan protección, enamoramiento y activación de genes. Cuando los músicos están conectados se comunican mejor y leen los gestos de sus compañeros con mayor claridad. Esta buena comunicación les permite responder de manera flexible, expandiendo su esfuerzo cognitivo. En caso contrario si hubiera falta de coordinación se activan regiones de la corteza prefrontal lateral para imponer el control.

El compositor de música Slayton en un experimento separa a los.grupos creativos altos y bajos dándoles el mismo problema hipotético. Los resultados muestran que el grupo menos creativo lo resuelve tan bien como los más creativos. Debido a que están sincronizados generando mayor actividad en regiones prefrontales lo que posibilita la cooperación y el rendimiento creativo grupal. Significa buena química entre los músicos.

Tal y como dice Viskontas cuanto más sincronizadas estén las partes sociales.más conmovedora y expresiva será la música. Esa química natural con los otros se puede desarrollar en los ensayos conociendo qué gestos y qué movimientos realizan los compañeros y qué significados se les atribuyen, por tanto si se sienten sincronizados con su compañero comprenderán y entenderán sus gestos corporales. Un ejemplo de este tipo de movimientos es la forma en que mueves tu pecho cuando quieres apretar el pulso. De ahíla importancia de conocer mejor al otro músico. A menudo éstos ensayan delante de un espejo para ver estas señales y gestos viendo si eso es lo que quieren mostrar, si sus gestos representan lo que quieren expresar.

Además si estamos sincronizados los ritmos de nuestros cerebros y cuerpos se acompasan como el corazón, la respiracióny también las ondas cerebrales.

Cuando nos conmueve la música aumentan los niveles de oxitocina y en.cierto casos hay personas con la capacidad de oler dicha hormona lo que producirá que antes de ponerse a tocar estarán mas sincronizadas rítmicamente con su compañero. Estos neuroquímicos nos hacen estar en sintonía para comprender el comportamiento del otro.

En el caso del neurotransmisor dopaminérgico está demostrado que hay más dopamina mientras se.anticipa el clímax de una pieza musical que en el momento de llegada a ese clímax, que es cuando se produce un impulso de dopamina en.el núcleo accumbens indicando al cerebro que le gusta esta música que está escuchando. Este dato es muy curioso y sería importante darlo a conocer a los músicos puesto que las notas agudas preocupa afinarlas y se toca la obra pendiente de llegar a ese pasaje y ejecutarlo correctamente, preocupándonos.menos del recorrido ascendente que tenemos que realizar para llegar a dicha nota con el desconocimiento de que todas las notas que conducen a la aguda importan más que el propio hecho de ejecutar correctamente dicha nota.

Por último Indre Viskontas nos explica la importancia de extender el silencio.para crear tensión y generar un estado de expectación en el cerebro del público, para posteriormente facilitar el disfrute con la pieza musical.

Pero reducir la música a actividad neurobiológica es quedarse insatisfecho aunque.como ya hemos visto estimula áreas límbicas y paralímbicas, especialmente la amígdala y la ínsula. Además de los beneficios que tiene estar sincronizado con los compañeros silenciando nuestro crítico interno permitiendo que las emociones provoquen nuevas conexiones neuronales aprovechando el flujo de los compañeros intérpretes.



Bibliografía:

Rumondor, I. (2019). The different types and methods of music therapy. (PsyArXivPrepints). https://psyarxiv.com/v7e59/

Rumondor, I. (2019). The best instruments to use in music therapy. (PsyArXivPrepints). https://psyarxiv.com/a82um/

Berger, K. (2019). We’re more of ourselves when we’re in tune with others. (Nautilus). http://nautil.us/issue/74/networks/were-more-of-ourselves-when-were-in-tune-with-others


Articulo publicado por: Rebeca Magdaleno (Psicóloga)
Profundizando en la musicoterapia.
22-01-2020